作为一位无私奉献的人民教师，总归要编写教案，借助教案可以有效提升自己的教学能力。怎样写教案才更能起到其作用呢？教案应该怎么制定呢？以下我给大家整理了一些优质的教案范文，希望对大家能够有所帮助。
素描静物美术课教案篇一
静物素描是绘画基础中不可或缺的一环，它锻炼了我们的观察力和技巧。我从小就喜欢画画，但经常会被一些细节打败，因此静物素描一直是我想要掌握的技能之一。在这个过程中，我学到了许多，接下来我将分享我的体验和心得。
第一段：观察
在静物素描中，观察是最重要的。我曾经试图直接从想象中画出画面，但结果总是令人失望。我意识到，只有仔细观察才能真正地理解事物的形态。观察需要耐心、细心以及专注力。当我注意到事物的轮廓、形状和细节时，我就开始尝试用铅笔进行描绘。
第二段： 透视
透视是画家必须了解的基本概念之一。通过透视，我们可以在画布上营造出立体感。我通过学习透视知道了如何给物体增加深度和体积感。现在，我可以更好地描绘出物体的阴影和高光，使画面更加逼真。
第三段：用光与影塑造图像
画家需要理解如何用光和影来展现物体的质感和形态。在静物素描中，用阴影和高光来表现物体的质感是至关重要的。我学会了如何用线条和渐变表现物体的明暗层次，通过这些技巧，我的画作开始显示出真正的形态和立体感。
第四段：用不同的铅笔营造不同的效果
铅笔的硬度可以决定我们所营造出的效果。我学会了如何用不同硬度的铅笔来营造不同的光芒、阴影和明暗。因此，我可以通过不同的画笔触和阴影来表现物体的不同质感，包括木头的纹理、玻璃的透明感等。
第五段： 练习与实践
最后，我认识到练习和反复实践是提高绘画技能的必要条件。静物素描需要熟练的技能，而熟练需要不断地练习和重复。每次我练习素描时，我都会选择不同形状、不同大小的物体来练习我的技能。随着不断的练习，我的素描技能越来越好。
结论：
静物素描是一项具有挑战性的技能，但它可以锻炼我们的观察力和创造力。通过观察、透视、用光塑造图像、硬度和练习等技能，我在素描方面不断进步。让我们珍惜学习素描的过程，从中汲取更多知识和灵感，不断提高自己的绘画技能。
素描静物美术课教案篇二
近期，我刚刚完成了一次静物素描的作品，我深深意识到这次体验所带来的收获和启示。笔者在这里想要分享自己对于静物素描的心得和体会。
第一段，最初的感受
我的第一张静物素描作品充满了许多愚蠢和粗劣的笔触。我并没有按照真正的比例进行构图，更没有注意素描中的纹理和色彩。然而，我并不受挫，反而有了不少的启示。我明白了自己需要在构图和细节方面下更大的功夫。
第二段，重视比例
最为重要的一点就是素描中的比例。这是静物素描的基础。如果比例不对，即使在纹理、色彩、质感等方面做的再好，也会显得笨拙和不自然。关于比例的学习需要时时刻刻地注重，尤其是与国际通行的技法结合在一起，达到相对来说最准确的比例。比例的学习不是短期之内就能完成的，而是一个漫长和需要不断学习的过程。
第三段，关注细节
考虑到细节，这在素描中也是至关重要的。细节不仅仅只是对线条和形状的追求，还包括了质感纹理、光的影响和空间感的展现等方面。在细节上的把握绝不能无视，绝不可以贪图快，否则你最后的作品效果会大打折扣。当然，在细节中也是需要注意与比例的关系。
第四段，对色彩的掌握
在静物素描中，虽然以黑白灰为主，但是色彩依然是需要注意的。它与静物所展现出的视觉印象以及情感关联密切。一幅描绘了色彩的静物，也会为观众留下难忘的印象。对于初学者而言，对色彩的把控需要更加谨慎和密切。对于清晰、平板、细腻的色彩掌控能力则是我们需要提高和培养。
第五段，获得启示
创作这幅作品之后，我仔细地审视了自己的不足点，以期在下一次的创作中有所提高和创新。通过这次静物素描的体验，我意识到了自己在构图、细节、比例和色彩上的不足之处。这让我明白了素描创作并不止是一种技术，而是一种深入思考以及投入精力的创作。通过静物素描的学习，我意识到以后每一次艺术的创作都需要我们的发扬光大，并且不断追求自身的创作之路，以期创造出更加丰富、更加深入人心的艺术答案。
总之，素描艺术是一门深入艺术内涵的学科，需要我们不断的掌握和提高，加强对于创作的思考和理解就可以创造出更加优秀的静物素描作品。作为一名喜爱艺术创作的人员，我希望自己能够努力进行学习，不计较结果和成就，用心体会并不断磨合，以期创造出迎合自己需要的优秀艺术作品。
素描静物美术课教案篇三
1、培养学生健康的审美观，提高学生的艺术修养和鉴赏能力，使学生掌握素描的基础知识、基础理论和基本技能，训练学生正确的观察方法和丰富的绘画表达语言，达到准确、生动、深刻地表现对象。
2、在教学中锻炼学生对事物的观察能力，表现能力，及对素描、对速写、以及对西方绘画科学的认识。
1、为了改变素描教学的枯燥，我们计划在教学中采用多元化教学的方式，让学生在练好扎实基本功的同时又体验到素描的乐趣。在整个学期的教学中，将不定期的外出写生，调节学生的情绪，训练学生捕捉生活动态的能力和细致的观察能力。外出写生的内容主要有人物速写与景物速写。这样，学生在学习中通过静物、人物、景物的相互转化和渗透，既能够体验到素描的乐趣，又能够使这三方面相互影响，从而在绘画的道路上得到快速的提高。
2、在室内进行静物写生的同时，穿插使用不同的工具材料进行绘画表现。比如炭笔，彩色粉笔，钢笔，中性笔，炭精条等；同时尝试不同的纸张带给我们的乐趣，比如卡纸，牛皮纸等都可以作为绘画的材料来进行尝试。这样，我们的教学就会丰富多彩，学生的兴趣也会得到很大的提高。
3、在整个素描教学的过程中，穿插尝试其他的画种。比如，刮画的尝试，手工的尝试等。这样，就会很好的调节学生的情绪，使学生始终保持学习的兴趣与热情。
1、认识素描、了解素描的含义以及素描的重要性；了解素描的用具以及使用方法。
2、单个几何体写生，如球体、正方体、圆锥体、棱锥体、圆柱体等，初步学习素描造型的观察方法、构图知识、简单的透视知识，简单的明暗关系。
3、两个或两个以上几何形体写生练习；深入学习平行透视和成角度透视知识、构图知识等，经过本期的学习，学生作品基本达到：构图适当，比例形体基本准确，结构完整有简单的黑白灰关系。
4、多个几何形体组合写生练习（三个以上）及陶罐、水果等其他三个以上的静物写生配合单色衬布及稳定光线，深入学习素描造型知识，通过学习，学生画面达到构图完整、比例、结构准确，能较好的表现几何形体的立体感、明暗关系明确。
5、静物组合写生练习，配有灰色衬布和稳定光线，继续学习素描造型知识和训练绘画技巧。通过学习，使画面构图完整、比例、结构准确，黑白灰关系明确，能较好的表现各静物的立体感和质感。
6、静物增加：瓷碗、白盘子、各种水果、石膏手、脚或个别石膏五官写生训练，深入学习素描造型能力，画面构图完整，形体比例准确，能准确的表现物体的立体感和质感，刻画深入。
素描静物美术课教案篇四
素描是一种基本的绘画技法，通过线条和阴影来描绘物体的形态和质感。静物素描是绘画中常见的一个练习题目，通过观察并绘制静物，我们可以提高我们的观察能力和艺术技巧。在进行静物素描的过程中，我有了一些心得体会。
第一段：了解基本素描技法的重要性
在进行静物素描之前，了解基本的素描技法是至关重要的。首先，了解线条的运用。线条可以传达物体的形状和轮廓，不同的线条可以表达出不同的质感和纹理。其次，学会运用阴影。阴影可以给物体带来立体感和光影效果，通过掌握阴影的运用可以让绘画更加逼真。最后，掌握透视法。透视法可以帮助我们正确地描绘物体的形状和尺寸，使画面更加准确和立体。
第二段：观察力的培养
对于静物素描来说，观察力是非常关键的。只有通过仔细观察，我们才能正确地描绘出物体的形态和细节。在进行素描之前，我通常会花一些时间仔细观察静物，注意物体的形状、纹理和光影变化。通过多观察，我逐渐培养了自己的观察力，学会了捕捉物体的特点和细节。
第三段：细节的把握
静物素描需要我们准确地描绘物体的形状和细节。在绘画的过程中，我尝试着去捕捉物体的每一个细微变化，尽可能地还原实物的形态。例如，在绘制水果时，我会注意到每一个凹凸不平的细节，每一个纹理的变化。通过把握细节，我可以增加作品的质感，使静物更加真实。
第四段：灰度的运用
素描作品通过线条和阴影的运用来表现形态和立体感。在进行静物素描时，灰度的运用对于表现光影效果非常重要。尤其是在绘制金属等光泽物体时，灰度的变化可以让画面更加逼真。我会通过调整铅笔的压力和使用不同的铅笔粗细来控制灰度的变化，使画面更加丰富。
第五段：感受与表达
除了技法的运用，静物素描也是一种表达内心情感的方式。在进行素描的过程中，我会沉浸在观察和绘画的过程中，感受物体的气息和韵律。我尝试通过线条和阴影的运用表达出我对静物的感受，例如在画一束花时，我会用轻柔的线条和柔和的阴影来表达出花朵的温柔和优雅。通过感受与表达，我的素描作品也更加有灵性和感染力。
总结：静物素描是一项挑战性和有趣的练习，在进行静物素描的过程中，我不断积累了技法和经验。通过观察、把握细节、运用灰度以及感受与表达，我不仅提高了自己的绘画技巧，更发现素描艺术给予了我一种愉悦和满足感。通过素描，我学会了用画笔和铅笔来观察世界，感受生活的美好。
素描静物美术课教案篇五
静物设置：画静物素描，首先要考虑到静物设置。静物的内容广泛，大凡日用器皿、水果、蔬菜、花卉、工艺品、工具、家庭用具、动物标本等，都可以作为静物的内容，初学者应遵循由简到繁、先易到难的原则。开始阶段应选则构造简单、色彩单一的物品，逐渐过度到描绘结构复杂、色彩丰富、不同质感的物品。
下面结合“圆球和方凳”素描，对静物素描的步骤叙述如下：
静物素描写生前的分析与思考：这组静物取形体规则的石膏圆球和结构复杂的方木凳为基本主体，构成虽简单，但在素描写生时，对形体结构的要求却是十分严格的。石膏圆球，只有一条边线轮廓，更多的通过色阶的过渡来表现形体，方木凳可以当作一个能看到后侧两个面的立方体，立方体更多是通过角与边轮廓线的连接表现形体。将各具不同造型的圆形、方形组合在一起以增加对比因素。静物中还摆放一条毛巾，至上而下，起到构图的平衡和色调上的完整作用。
作画步骤一：首先考虑构图，目的不仅是能够把物体都装进画面，更重要的是求得构图合理与完整。这组静物的布局是呈上下结构关系，因此适合用竖构图。其中圆球上方的空白不宜留得过多，否则会使构图显得下坠、木方凳脚下应留有足够的余地，否则会使构图产生被截掉一节不完整的感觉。
起轮廓宜用直线、长线、这样可以跨越一些小细节，能够从大的方面去概括形体。即使是画圆球，也要先用直线画成一个正方形平面，然后一步一步地切割正方形的四个角，使之最后形成一个规则的圆形。正确的表现透视，此画作者的视平线高于木方凳上端的平面，确立木方凳上端的平面画多少，应该与确定木方凳四条腿画多长、联系起来考虑。初学画者的位置不要距离静物太近、以免物体的透视变形过大，而难以把握。
作画步骤二：要抓紧校正物体形象的准确性和落实物体之间明暗调子的区别，初步形成整幅画面色调关系的整体布局。具体有以下内容：在圆球外轮廓内界定出球体的明暗交界线。在木方凳每根木条的榫接关系调整好后，将主要的明暗关系区分出来、特别是前边两条腿与后面两条腿的深浅差别，同时根据木方凳的固有色比较深的情况，还要罩上一曾灰色，让它与白色的圆球和布区分开。
为了使主体的轮廓更清晰，便于进步修改、调整其形象，还要在背景上平涂上一遍灰色，这样除了能将主题与背景分别开来，消掉大部分轮廓线，还能营造出有空间感的画面效果。
作画步骤三：在圆球上，要反映出受光、背光、反光面几块大的区域的划分，但必须通过组织许多过渡面去实现，不能用平涂和抹的办法。完成用明暗色调代换木方凳的轮廓线，并转向寻找最能体现木凳质地细节进行描绘。白布穿插于深色木方凳之中，起着趁托木方凳的作用，因此在描绘它时，始终清醒它是一块白色的布，注意把握固有色。
作画步骤四：这个阶段的深入刻画，应具有选择性，突出重点，注意掌握调整虚实关系。做到精细之处可以细微表现物体的肌理组织，粗略之处可以寥寥数笔、轻松带过许多不要的内容。
素描，简而言之就是单色画。却又不尽然，毕竟素描涵盖与牵连的东西太多，解决的问题也太多，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值，当然，专门的素描艺术家并不多，大都是兼职者，如诸位大师们，他们寥寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握，于其背后的艰辛也自然不言而喻了。
下面谈谈本人对素描的理解，又或者可以说是十几年来教与学的体会。下面几部分有内容上的交叉，这是素描的综合性决定的，每一部分只是素描综合体中的一个理解侧面，它们的关系是分解与重组。
1.理解多少就能表现多少
总体来讲，素描是很理性的，素描的过程是脑、眼与手高度结合的人的活动。大脑是总指挥，充实的理性显得尤为重要；眼睛偏感性，生动、鲜活，但常常出现片面与误差；手只是实现脑眼商量的结果的工具，只要听话就行了，属于技术类（当然还有其它工具）。所以大脑要不断地学习与思考，只有思考才会有创新，会思考是人区别于动物的最大特征。首先，要学美术史，了解美术的发展过程，了解诸大师独特的成长过程、艺术理念、风格区别及技巧表达，经过不断评判思考后才能给自己正确地定位，促使自己更好地发展，从而避免茫然失措和重复浪费；学习素描就不能不学习达?芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、丢勒、鲁本斯、康伯夫，仅仅知道契斯恰科夫是不够的。解剖学、透视学诞生给素描注入了更多的科学理性因素，而解剖学、透视学这两门学科就需要花时间精力去学习与掌握，比如：表现一个人，仅仅了解表面的轮廓起伏而不知道其下的骨骼构造、肌肉走向作用及视觉上的透视变形是不行的；每画一条线、一个起伏都要能体现解剖学和透视学知识，这些内在知识能使素描作品更深刻、更完整。构图知识使素描作品更趋于完美和个性化，更有画面感、更有艺术性。对结构、特征、比例、形体、朝向、节奏、对比、点、线、面等要素的熟练运用与驾驭，无疑对素描的充分表达起到深度与广度的关键作用，几何概念的把握与深入塑造技能又起到画面的宏观与微观的调控作用。照相机的发明、网络时代的来临使素描从客观的世界中解脱出来，从而更关注后工业化人的思想情感的无限空间，素描更呈现多元风貌。
显然，拥有如此丰厚的知识储备，你就要做个优秀的指挥家，而且要在直觉、激情中尽情地艺术表现。
一、你时刻在注意“整体观念”吗？
“整体观念”是一个老生常谈的话题，也是一个较难解决的问题。相当一部分学生“只见树木不见森林”，不是造型、结构不准，就是上调子时死抠局部，使局部与整体脱节，画面花、杂、乱。作画要的是整体的最后效果，没有整体的局部，再精彩、再深入也毫无意义。既然整体是关系到一幅素描作业的成败，那么处理好局部与局部、局部与整体的关系就显得尤为重要，“专注局部，忽视整体”将最终造成“整体”的失败。
二、你是否在用“心”作画？
绘画是一种艺术，不是一项普通的工作，作画过程中作者的思想、情绪、感受极大地影响着画面的最终效果，没有思想、没有激情的画面是空洞、没有感染力的。有的同学认为“画得多了就提高了水平”，于是一味地增加作业数量，盲目延长作画时间，好像只有这样才算“努力”。而实际上呢？由于身心疲惫，作画时已经是漫不经心、胡思乱想、精力不能集中了，何谈 “思想”与“激情”？其作品也只能是徒有形式，毫无神采。“多画”是在“画好”的基础上多画，而不是无目的的多画，在作画时出现厌倦情绪时可休息片刻，或改画色彩、速写，实行自我调节。只要用“心”作画，就一定会使自己的艺术水平得到有效提高的。
三、你会取舍吗？
有的学生素描基本功应该说不错：构图完整，造型准确，线条流畅，体积感强，并且深入得十分细致入微，面面俱到，对所画对象、背景的任何一个细节都不放过。像这样的作品只能算是“技术熟练”，而谈不上“艺术高超”，因为画面没有重点、没有取舍，什么都画其实就等于什么都没画。所以在深入时一定要通过认真观察分析其结构、特征，结合自己的感受，将对象理性地、艺术性地反映在画面上。要大胆取舍，该突出的刻画入微，该省略的一带而过，做到有主有次，有详有略，千万不能“眉毛胡子一把抓”。
四、你重视临摹吗？
在很多学生中存在这样的问题：喜欢画写生，不愿在临摹上花费时间，也不屑于临摹。这种认识是错误的。临摹是学习的一种重要方式，每位成功的画家都通过深入临习、研究、借鉴前人的作品并汲取了大量的营养，为成功奠定了坚实的基础。通过临摹优秀作品来学习他人的宝贵经验，可以使视野更开阔，思维更活跃，头脑更具理性，实现作画水平的有效提高，实在是一件很“便宜”的事。在重视临摹的同时也必须要注意一些问题：一是取法要高，一定要选有代表性的大师、名家的作品，也就是说要临“好”作品，才能汲取到营养；二是对临摹作品要有一个理性的认识，不能全盘照抄，要做到去粗存精；三是临摹要有一个“度”，要与写生结合进行，临摹是学习手段，写生才是目的。要避免因盲目、过多地临摹而压制思维，束缚个性的发展。
五、你是否在有计划、有目的地训练？
有的同学忠实贯彻“苦练”战术，作画非常刻苦、勤奋，但水平却长期停滞不前，许多问题依然存在。虽然他们很“勤奋”，但不会总结经验，不知道要解决什么问题，也就更谈不上如何解决问题，这种“勤奋”只能算是漫无目的地蛮干。“人贵有自知之明”，我们一定要清楚自己的优点和缺点，在保持优点的同时，针对性地去克服与解决存在的问题。
六、你注意到不同院校、专业的考试要求差异了吗？
素描是造型艺术的基础，对考生考查的主要是素描的方法和造型，但不同的院校对素描的画法、风格是有一定的偏好的，不同系科、专业对考试的命题、作画要求和评分标准也有所不同。“知己知彼，百战不殆”，所以，根据自己的报考意愿，针对不同的院校、专业的不同特点、要求，确立学习目标，做到有的放矢地学习与训练，也是美术高考取得好成绩的一个重要方面。