心得体会是我们在成长过程中的宝贵财富，可以帮助他人更好地前进。以下是小编为大家精心挑选的一些心得体会范文，供大家参考。
素描人体心得体会
素描人体是绘画的基础与灵魂，通过对人体的描绘，可以展现出人类的美与力量。作为一名学习素描多年的艺术爱好者，我深深体会到了素描人体的重要性与技巧。在这篇文章中，我将分享我对素描人体的心得体会，并探讨其对我艺术道路的影响。
在学习素描人体的过程中，我发现观察是关键。观察要从整体到局部，一点一线一面，逐渐构建出人体的各个部分。而且不仅要观察人体的形态，还要注意到肌肉的线条与轮廓，从而准确地表达人体的姿态和动态。观察力的培养，可以使我的绘画更加生动与逼真。我会在日常生活中细致观察身边的人物，捕捉他们的瞬间表情与动作，这不仅是一种对美的感知，也是对人类形态的研究和思考。
除了观察外，掌握人体的比例关系也是素描人体的关键。掌握人体的比例不仅需要严谨的测量，还需要艺术家的感觉与嗅觉。通过多次实践与反复描绘，我逐渐掌握了人体各部分的比例和位置关系。在面对模特时，我会先用简单的几何图形搭建出骨架，再逐渐添加细节，从而准确地描绘出人体的形态。这种对比例的掌握，使我的作品更具有真实感与艺术感。
素描人体还需要对光影的把握。光影是素描的灵魂，它可以赋予人体以特定的氛围和情感。在我的绘画中，我注重光影的运用，通过刻画光线的强弱与角度，突出人体的立体感和质感。我喜欢利用明暗的对比，使描绘的人物更加生动与有力。而且通过光影的运用，我也可以表达出人体的柔软与坚韧，从而显示出人体的美与力量。
另外，素描人体还需要表达自己的情感。艺术是心灵的舞台，通过绘画，我可以将自己的情感与思想融入作品中。在描绘人体时，我会用线条与色彩传递出自己的触觉与感受。有时，我会用细腻的线条和柔和的颜色描绘出人体的柔美与温暖；而有时，我会用粗犷的笔触和鲜艳的色彩表达出人体的力量与热情。通过这种表达，我可以与观者产生共鸣，使他们对作品产生共同的情感与理解。
在我心目中，素描人体不仅仅是一种技巧，更是一种探索人类内心世界的方式。通过对人体的描绘，我更加深入地理解了人类的美与力量。我学习到了观察力、比例关系、光影与情感的表达，这些技巧不仅在素描人体中可以应用，在其他形式的绘画中同样有效。这使我更加坚定了继续探索艺术道路的决心。
通过与人体的接触，我不仅学习到了绘画技巧，也拓宽了对人类形态与情感的理解。作为一名艺术爱好者，我将继续学习与尝试，用我的画笔探索人体的奥秘，传递人类的美与力量。
素描人体临摹心得体会
素描是绘画的基本技法之一，也是学习绘画必备的训练方法。而人体临摹是素描绘画中一项重要的练习内容，通过对人体的观察与描绘，可以提高艺术家对人体结构与比例的理解能力。在进行人体临摹的过程中，我积累了一些心得体会，下面将与大家分享。
第一段：认识人体。
人体是自然界最为复杂而精致的艺术之一，也是艺术家创作的常见题材。通过素描人体临摹，我更加深刻地认识到了人体的美与奇妙。在观察中我发现，人体的骨骼结构与肌肉线条是赋予人体魅力的关键元素。通过细致的观察和描绘，我学会了如何捕捉人体的动态与表情，感受到了人体的生命力与艺术的真实性。
第二段：注重比例与结构。
进行人体临摹时，准确的比例是非常重要的。一个肢体的长度、宽度以及各个部位之间的相对位置都需要仔细观察和描绘。通过不断进行练习，我逐渐掌握了把握比例的技巧，能够准确地将人体的各个部分放置在画布上。同时，在描绘的过程中，要关注人体的骨骼结构和肌肉组织的线条，在捕捉外形的同时也要注重形体的内在结构。
第三段：练习速写的重要性。
在进行人体临摹时，往往时间有限，模特也处于不断变化的状态。因此，掌握速写技巧是非常必要的。通过快速的勾勒和简洁的线条，能够准确地表达人体的动态和姿态。在进行速写时，我学会了观察人体的主要特征和关键点，运用精简而准确的线条来描绘，不仅提高了绘画的效率，也能够更好地捕捉到人体的动态美感。
第四段：用光与阴影表现立体感。
人体的三维立体感在素描中是非常关键的。通过合理运用光影效果，可以给人体以厚度和立体感。在练习人体临摹时，我学会了观察光线的方向和强度，注重人体不同部位的明暗变化，刻画出深浅不一的阴影。阴影的处理能够让人体在画面中产生层次感，使观者更加真实地感受到人体的形状和重量。
第五段：注重细节与表现力。
人体临摹的过程中，细节和表现力都是非常重要的因素。通过观察人体的各个部分细节，如手指的关节、肌肉的起伏等，能够更加真实地表现人体的特征与个性。同时，还要注重对人体的情感与氛围的表达，通过描绘人物的神态和表情，使作品更加生动有趣。通过不断的练习与尝试，我提高了自己的绘画技巧与表现能力，也更加意识到了人体艺术的无尽魅力。
总结：通过素描人体临摹，我认识到了人体之美与奇妙，掌握了对人体比例和结构的把握，熟练运用了速写和阴影技巧，注重了细节和表现力。这些心得体会不仅提高了我的绘画技巧和艺术素养，也让我更加深入地理解了人体艺术的魅力与价值。在未来的绘画创作中，我将更加努力地继续学习和探索，不断提高自己的绘画水平。
大学素描人体心得体会
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人体素生心得体会总结
人体素描写生是美术基础课程中非常重要的一部分，通过这门课程我们可以深入了解人体结构和形态，掌握绘画的基本技能和语言，同时也能够提高我们的观察和表现能力，使我们的绘画水平更上一层楼。在经过一学期的学习之后，我深受其益，收获良多，以下是我的人体素描写生心得体会总结。
1.观察力的提高。
在进行人体素描写生练习时，最重要的是培养自己的观察力。我们需要耐心仔细地观察每一个细节，比如肌肉的起伏和曲线、手指的关节、头发的纹理等等。通过持续练习，我的观察力得到了极大的提高，我能够更准确地捕捉到人体各个部位的特点，并通过素描将其表现出来。
2.基本功的技巧运用。
在进行人体素描写生的练习之前，我们需要掌握一些基本的绘画技巧和语言，如线条、阴影、透视等等。通过练习，我逐渐掌握了这些技巧的运用方法，能够在素描中灵活地运用这些技巧，使画面更加生动有趣。
3.形态和结构的掌握。
人体素描写生的课程最重要的是掌握人体的形态和结构。我们需要通过观察和实践，把人体的各个部位的形态和结构逐步拆解出来，并将其整合成一个完整的人体形象。在进行人体素描写生的练习中，我逐渐掌握了人体的整体构造、寻找局部细节、掌握人体比例等技巧和知识，使我的绘画水平有了较大的提高。
4.人体表现的多样性。
人体素描写生让我重新认识和理解人体，它不仅是生理结构的组合，更是人类艺术创作的灵感源泉。在进行素描练习的过程中，我发现人体表现的多样性非常丰富，不仅仅只有正常站立和坐姿，还有倒立、弯腰等各种有趣的姿势。通过学习和模仿大师的作品，我逐步掌握了人体表现的多样性，能够更加自如地表达自己的想法。
5.意境和情感的表现。
最后，人体素描写生也是一个表现意境和情感的课程。在绘画中，我们可以通过线条、阴影、色彩等手法，表现自己的情感和意境。通过对人体素描写生的练习，我逐步掌握了如何将自己的情感和意境融入素描中，使画面更加饱满、感性。
总的来说，人体素描写生是一门非常重要的基础课程，它可以让我们提高观察力、掌握绘画技巧、掌握人体的形态和结构、表现人体的多样性和意境以及情感的表现。在未来的学习和创作中，我会不断巩固和提高这些能力和素养，创作出更优秀的作品。
素描人体临摹心得体会
素描人体临摹是美术学习中的一项重要练习，通过对人体线条、形态及比例的观察和描绘，提高艺术家的绘画技巧和感知能力。在我的学习过程中，我深刻体会到了素描人体临摹的重要性，以及对于我个人艺术成长的意义。
段二：细致观察和技巧描绘。
素描人体临摹首先要进行细致的观察。通过观察人体的肌肉、骨骼、姿态和比例，能够更加真实地描绘出人体的形态。在观察的基础上，灵活运用各种技巧，如交叉线、阴影和明暗对比等，使绘画更加生动立体。
段三：感知能力和形象再现。
素描人体临摹不仅仅是对外在形态的描绘，更需要抓住人体的气质和内在特质。在绘画过程中，我意识到了观察和感知的重要性。通过观察和感知，我能够更好地描绘人体的形象和个性，使作品更具传神和感染力。
段四：耐心和毅力的重要性。
素描人体临摹是一项需要持续投入时间和精力的活动。在实践中，我发现耐心和毅力对于临摹的质量和效果至关重要。有时候，要反复描绘同一部位或细节，直到达到满意的效果。只有经过反复的努力和坚持，才能够提高自己的绘画水平。
段五：思考与表达。
素描人体临摹不仅仅是对人体外在形态的传神再现，更是一种思考和表达的方式。通过绘画人体，我可以思考人体的特点、美感和情感，并通过线条和阴影等手法表达出来。艺术创作也是一种思考和表达的过程，通过素描人体临摹，我能够更好地培养自己的思考和表达能力。
总结：
通过素描人体临摹的学习，我获得了很多启发和收获。观察、感知、耐心和思考等艺术技能和素质都得到了提高。通过绘画人体，我不仅仅提高了绘画技巧，还培养了对美的感知和表达能力。素描人体临摹是我艺术成长道路上的重要一步，我会继续努力不断提高，让自己的绘画作品更加优秀。
素描人体临摹心得体会
第一段：介绍素描人体临摹的背景和意义（200字）。
素描人体临摹是绘画学习中的重要一环，通过对人体形态、比例和肌肉结构的观察和描绘，可以提升画家的造型能力和绘画技巧。人体临摹的目的是让画家更好地理解人体结构，塑造出更真实、有生命力的形象。在人体临摹过程中，画家不仅能够感受到人体形态的美妙，还能培养观察力和细致入微的绘画技巧，对于提升整体绘画水平有着重要的意义。
第二段：谈论人体临摹的挑战和困难（300字）。
人体临摹是一项复杂而困难的任务。首先，人体的形态和比例是非常复杂的，画家需要通过大量的观察和练习才能准确地捕捉到。其次，人体的各个部位的肌肉结构也是多变的，需要画家掌握不同光线和角度下的绘画表现。此外，人体的动态特征使得人体在不同的姿势和运动中呈现出各种各样的形态，画家需要捕捉到这些细微的变化，才能使画作更加生动。这些挑战和困难需要画家投入大量的时间和努力去克服，但正是这些挑战使得人体临摹具有了无限的魅力和吸引力。
第三段：描述自己临摹人体的经验和体会（300字）。
在我进行人体临摹的过程中，我深切地感受到了挑战和困难，但也从中得到了很多启示和收获。首先，我发现准确地把握人体的比例和形态至关重要。我通过观察和比较不同姿势下的人体，学习分析人体的长度、宽度和高度的比例关系。其次，我发现观察和细致入微的描绘是取得好的人体临摹效果的关键。我通过练习肌肉结构的描绘和光线的表现，提高了自己的观察力和绘画技巧。此外，我还发现动态人体的临摹更能够突出人体的生动感和形态的变化，所以我经常利用一些动态模特进行练习。
第四段：探讨人体临摹对绘画水平的提升（200字）。
人体临摹可以提升画家的绘画水平和艺术造诣。通过对人体结构和比例的观察和描绘，画家可以更好地掌握造型的基本原理和技巧。这不仅可以使画家的画作更加真实、有生命力，还可以使画家在其他题材的绘画中更加得心应手。同时，人体临摹还能够培养画家的艺术审美和情感表达能力，使画家能够更好地传达自己的思想和情感。
通过进行人体临摹，我不仅提高了自己的绘画技巧和观察力，在艺术创作中也获得了更多的灵感和创意。我深刻认识到人体的美妙和多变性，也更加热爱绘画这一艺术形式。人体临摹需要耐心和毅力，但只有通过不断地实践和探索，才能不断提升自己的绘画水平。在今后的绘画学习中，我将继续坚持人体临摹，并注重培养自己的艺术情感和表达能力，以此不断进步和成长。
大学素描人体心得体会
天道酬勤，宁静致远。
懦夫把困难当作沉重的包袱，勇士把困难当作前进的阶梯。
博学审问慎思明辨笃行。
业精于勤，荒于嬉；行成于思，毁于随。
耕耘今天，收获明天。
人的一生是漫长的，但关键的只有几步。大学班级口号大全。
汗水浇灌希望，奋斗决定命运。
生无所息，斗无所止。
播种劳动，收获成功。
笃行求知超越自我。
耕耘分秒，勤奋造就天才；积蒿力量，实力铸就辉煌。
含泪播种的人一定能含笑收获。
知识就是力量。
无限激情无悔青春。
十年寒窗寂寞伴，一朝成名幸福随。大学班级口号大全。
十年寒窗无人闻，一朝成名天下知。
精诚所至，金石为开。
今天的努力，明天的实力。
气有浩然心无止尽。
做一个有实力的人，不要让今天的懒惰成为明天的痛。
鲲鹏展翅自兹始。
放飞理想誓言共煌。
学海无涯勤可渡，书山万仞志能攀。
素描人体心得体会
人体素描是绘画的基础和重要组成部分，也是绘画爱好者们的最爱。通过素描人体，我们可以更好地观察人体的比例、线条和形状，把握人体的动态和静态，提高我们的艺术修养和绘画技巧。在我这段时间的学习过程中，我逐渐领悟到了一些心得和体会。
首先，学习素描人体要系统学习解剖知识。素描人体是对人体形态和结构的描绘，而要准确地描绘人体，我们需要对人体的骨骼和肌肉有一个较为透彻的了解。只有充分了解人体的解剖结构，我们才能准确地把握人体比例和形态，提高素描作品的逼真程度。学习解剖知识可以通过观看视频、模型或者阅读相关书籍来进行，这样我们可以更加系统地学习和记忆，为后续的素描练习打下坚实的基础。
其次，观察能力在素描人体中至关重要。人体是一个复杂而多变的艺术对象，要准确地描绘出人体的轮廓、线条和阴影，我们需要有敏锐的观察力。我们要学会换位思考，以不同的角度观察人体，观察人体的曲线和比例。同时，要注意灯光的影响，观察人体阴影的形状和变化。只有通过反复的观察，我们才能真正深入地理解人体的结构和形态，为之后的描绘提供准确的参考。
另外，用用创意和想象力能够让素描作品更有灵感和生命力。素描人体并不是要求完全按照真实的样子去描绘，而是要借助我们自己的创造力和想象力，赋予作品更多的情感和表达力。我们可以通过变换线条粗细、运用不同的线条类型、增加或减少细节等方式来达到更加艺术的效果。同时，我们也可以在素描中加入一些情境和背景，让人体在特定环境下更有生命力和表达力。创造力和想象力是艺术的灵魂，也是素描人体中不可忽视的一部分。
此外，持之以恒是提高素描水平的关键。要想在素描人体方面取得进步，我们需要坚持练习和不断提高自己。绘画是一项需要长期积累和不断探索的艺术活动，只有日复一日地坚持下去，我们才能逐渐提高自己的绘画水平。我们可以选择每天花十几分钟进行素描练习，或者定期参加素描班和分享会，与其他爱好者交流学习。只有持之以恒地练习和学习，我们才能真正提高素描人体的水平。
最后，学会欣赏和吸收优秀的作品是培养审美能力和提高素描技巧的重要途径。素描人体是一个艺术创作过程，每个人都有自己独特的绘画风格和表现力。通过欣赏和学习其他画家的优秀作品，我们可以拓展自己的思维和创作方式，借鉴他们的绘画技巧和构图手法。同时，欣赏优秀的作品也可以培养我们的审美能力，提升对艺术的理解和欣赏水平。
总之，素描人体是一项既有挑战性又有趣味性的绘画活动。通过系统学习解剖知识、培养观察力、发挥创意和想象力、持之以恒地练习以及欣赏和学习优秀作品，我们可以提高自己的素描水平，创作出更具艺术感和表现力的作品。绘画是一种艺术的表达方式，通过素描人体的练习和探索，我们可以不断提升自身的艺术修养，为艺术的世界增添更多的色彩和魅力。
素描学习心得
素描作为造型艺术的基础，越来越受到人们的重视。不管什么风格的基础素描，它的基本要求是一致的，只是对素描造型诸要素各有不同的侧重而已。在基础素描教学中应本着现实主义的原则，要求用写实的手法表现对物象的真实感受。作品应以客观物象为依据，根据对物象的认识和感受，艺术地表现一定环境与光影下的具体物象。主观感受应依据客现物象并受制于客观物象，所谓“艺术地表现”是指概括、取舍、加强、减弱等艺术处理。
素描两个环节很重要：轮廓准确和注意整体。要求轮廓准确是克服造型似是而非的主要办法，造型似是而非是初学者最普遍的毛玻要求轮廓准确，可以培养学生在学习上严格的作风和求实的态度。这里所说的轮廓准确并不是说要在素描的第一阶段就细抠轮廓。第一阶段打轮廓时能做到构图恰当，比例准确，要点鲜明，形象明了，就应该说是轮廓准确了。
注意整体是观察物象和处理画面的一种方法，这个方法掌握得是否恰当直接影响作品的质量。不正确的观察方法，往往是盯住一点而忽略了全局，目的是为了看清楚那个要画的局部，并不作全面考虑，结果是只见树木不见森林，只看局部的细枝末节而看不到整体的情节气势。而作画时对物象的观察分析，不仅是为了认识物象，更重要的是为了表现物象。这就要求在开始完成一份素描作业时，要根据对物象的观察和感受，对习作的整体效果有一个设想，就像导演拿到剧本就应该在思想中形成这部戏或这部电影的整体“视像”艺术。但这并不是说只强调整体而忽视局部细节的深入刻画。整体和局部是对立统一的关系，并不存在纯粹的“整体”，整体的丰富性有赖于对局部的深入刻画。
整体--局部--整体，作为习作的整个进程大致是这样，但在深入描绘各个局部的过程中，自然地形成了很多小的阶段。应当要求在习作的每个阶段都要考虑整体，并为掌握整体而调整整个画面，使每个阶段停下笔来都是一张形象生动的画。所以，掌握整体是对局部而言，在一定阶段必须把主要精力用于刻画物象的整体性特征，有了具体物象的整体性才有提高的基础能力。
不仅要有长远的总目标，而且要有分段实现的具体目标和要求。在不断循序渐进和适当重复的过程中，才能牢固掌握造型规律及其有关知识和技能，才能得心应手地表现各种环境下的复杂事物。
习作的优劣还取决于观察事物的深度和知识面的广度，取决于艺术修养和技术水平的高低。因此，“画外功夫”要正确引导，多掌握一些课外知识，如：文学、美学、历史等方面的知识，使他们多了解不同素描流派产生和发展的过程，以及它们的主张和特点。这样能够使扩大知识面，开扩眼界，有助于提高绘画水平。
在基础未打好之时，对于那种专门追求风格、流派的做法，加以引导和纠正。要认识到：没有浑厚的基本功作基础，单纯地去追求某些风格、流派的做法是有害无益的。因为不仅要具备照着物象摹写的能力，更重要的是要培养自己的理解、记忆和想象能力。这样，才能真正具备全面的造型能力。
调整修改应本着整体的原则，反复分析研究，反复比较，理解形与神的关系。要用第一眼看到物象时那种新鲜强烈的感觉来检查画面效果，找出画面与物象之间的差距，检查物象与物象之间的组织结构、形体比例是否准确，质量、空间关系是否恰当，主次虚实是否有序。这些因素的调整，主要是想通过反复的校对和比较，能够更深入地研究对象和表现对象。这里所讲的“表现”是说：在素描训练时，应当要用对物象深入的形容和新的发现来不断地激起表现的愿望，激起类似创作的激情。
素描训练，不仅是描摹现象，而且是艺术地再现。所画的那部分不仅是物象的一部分，也是构成画面的有机组成部分。不仅要看这部分是否画对了，而且还要看它是否有表现力。要求表现就是要讲究线条，讲究黑、白、灰，讲究概括，讲究画面的构成和组织，要力求形神兼备，要像写文章那样讲究文采，像戏剧那样讲究韵味。要通过表现使素描基本功成为创作性的艺术活动。由于同一班的学生受教师的影响比较大，要求他们做到风格多样是不可能的。同时，在基础未打好时，就过分地热衷于“个性”会给自己在一定程度上造成偏食的坏习惯，不利于今后的发展。
素描学习心得
通过四周的素描石膏像学习，自身感触颇多，也对素描石膏像的技法有了更进一步的认识和了解。
就以拉奥孔为例，我的作画心得如下-------------。
第一步骤：确定大的运动结构关系、比例、构图。仔细观察背侧面的几条主要支架，以及半侧面头部的面部结构，近部前臂的所占位置以及它与前胸部、后背、腰际间的具体比例、造型，并与之对称后臂的平衡支点，后臂与前臂之间的颈部须发的大体位置。在这里特别要注重透视这一原理在起稿过程中的关键作用。以大体的几何形块来解决看似复杂、又难度较大的形体关系，为下一步的深入做出充分准备，此步可多下功夫反复推敲、比较。
第二步骤：继续深入，要画出大的明暗、空间、结构，分清主次。拉出前臂与侧胸后背的虚实关系。侧胸下的肋骨、胸肌与腰际间的肌肉动势。前臂的动态十分重要，此处刻画要虚实得当，否则与其他部分的关系就会脱节。前臂与头部、颈部紧密相连，层次要分明。继而是面部表情，要稳重下笔，但又不能太过，要考虑整个面部与前臂之间的距离。有的时候在此处会把头部刻画较为深入，而忽略了前臂所处的重要位置。
在处理好前臂、头部、前胸及肋骨至腰际间的大体明暗关系后，进一步画出后背、腰际中线，及后背几个大块肌肉的明暗变化。深入刻画各个部位的大体结构关系。使前臂、后臂之间的形势、动态达到协调统一。第三步骤：深入刻画，不要太急躁，盲目，可以调整一下作画的心态。此时处理太急，会使整个画面发灰，作品失去生气。可以找方法从写生的紧张状态下解脱出来，松弛一下神经，找出一些拉奥孔的资料欣赏、观看，然后自己对作画的对象有一个整体的认识过程，轻松过后，再回到自己的画面。在深入之前，把几大关键不足之处，针对性地总结。从整体、结构、明暗、运动的状态及整个形体的力量、质感逐一深入，整体连贯起来。把所表现拉奥孔的悲愤、痛苦之状艺术地表现出来，感觉画像立体呼之欲出时，就可以停笔了。
再次，从学习的角度上出发，素描石膏像的练习也是必不可少的。学习素描石膏之所以重要，首先在于它反映了结构、比例、形体、明暗、空间关系等等，而这些又是学习绘画的必经之路。因此我们学习素描石膏，主要是学会从整体上全面观察、分析、研究被描绘的对象。....其次，素描石膏是初学者认识和掌握对象的一个好方法。在分析理解对象的结构、特征上，石膏像以其特有的单纯白色，在固定光线下，产生了微妙的明暗变化。它虽然没有复杂的色彩关系，然而“黑、白、灰”三者之间的表现，为初学者观察整体、塑造体积、表现对象提供了极好条件。正确区分“黑、白、灰”三者之间的关系是学习和掌握素描的关键。
再者，素描石膏为学好素描人物打下扎实的基本功。初学者在石膏像的学习训练阶段中，可以不受环境、时间的限制，从不同侧面、不同角度较为固定地给初学者以长时间观察、分析、表现对象的条件。同时，它还可以帮助初学者掌握解剖知识、肌肉的结构与转折关系，从而进一步学习素描人物。
作为基础教育的一部分，素描石膏教学受到了广大美术工作者的高度重视，从国内外一批批优秀美术人才取得的卓越艺术成果和成就看，他们的素描石膏功底都非常深厚，都苦练过基本功。因此，希望广大初学者勤学苦练，全面掌握素描技法。
学号：101084022班级：10级油画二班。
姓名：李照辉。
素描
素描，是一种用简明的线条、轮廓和阴影来描绘物体形象的绘画方式。它是绘画的基本功，也是培养艺术审美能力的重要手段之一。在我的艺术学习过程中，我开始学习素描，并逐渐体会到了它的魅力和价值。以下是我对素描的心得体会。
第一段：对素描的初次体验。
刚开始学习素描的时候，我对于它并没有太多的了解，只觉得是一种简单的绘画方式。然而，当我真正开始实践的时候，我才发现它并不简单。第一次拿起铅笔，在纸上描绘一个物体的轮廓，我发现自己的手并不听使唤，线条并没有我想象中那么流畅。于是，我明白了素描是需要技巧和训练的。我开始反复练习，希望通过不断地实践来掌握素描的技巧。
第二段：素描的观察与表达。
渐渐地，我发现素描并不仅仅是简单地描绘物体的轮廓，更多的是需要观察和表达。在素描的过程中，我学会了用眼去观察物体的细节，用心去感受物体的形态。我学会了观察物体的比例、构造，以及光线的变化和阴影的形成。通过观察，我逐渐掌握了如何通过线条的长度、粗细和方向来表现物体的形态。我也学会了如何运用阴影来增强物体的立体感。通过表达，我可以用简单的线条勾勒出一个立体的物体，让观者能够感受到物体的形态和质感。
第三段：素描的审美与创作。
素描不仅仅是一种绘画技巧，更是一种审美的体验和创作的手段。通过素描的实践，我开始对艺术产生了更深的兴趣和理解。在进行素描创作的过程中，我会去寻找创作的灵感，并尝试着用线条去表达自己的思想和感受。我发现素描可以让我通过线条的运用来表达自己的情感，让我能够在纸上洋溢出自己的创造力。素描成为了我与艺术对话的媒介，也成为我表达自我和思考世界的方式。
第四段：素描的观察力和耐心的培养。
素描不仅仅是一种艺术表达方式，更是一种训练观察力和耐心的工具。在进行素描实践的过程中，我需要细心观察物体的细节，捕捉光线和阴影的变化，这需要我集中精力和耐心的实践。通过不断观察和实践，我的观察力得到了极大的提升，我开始能够敏锐地察觉到物体的细微之处。同时，我也学会了耐心，明白了只有持之以恒的实践才能取得进步。素描让我学会了如何用心去观察和耐心去实践。
第五段：素描的意义和价值。
通过素描的学习和实践，我逐渐明白了它的意义和价值。素描是一种观察和表达的方式，它让我学会了如何观察物体的细节、感受物体的形态，并通过线条和阴影来表达自己的思想和情感。素描也是一种训练观察力和耐心的工具，它培养了我的观察力和耐心，让我能够更加细致入微地观察和思考。除此之外，素描还让我体验到了创作的快乐和满足感，让我感受到艺术对人生的意义和启发。
通过学习和实践素描，我不仅提高了自己的绘画能力，更锻炼了自己的观察力和耐心。素描不仅是一种绘画技巧，更是一种艺术表达和思考生活的方式。在以后的学习中，我会继续坚持素描的实践，不断提高自己的艺术水平，同时也享受与艺术对话的乐趣。
素描学习心得
大学的第一个学期进行到一半的时候，我们迎来了设计素描课，迎来了我们的叶老师。叶老师在保存我们自己内心的想法和思想的基础上提高我们的艺术设计与表现能力，并教导我们艺术作品必须有思想，有内涵，有冲击力，画面完整。这些都是我们学习工业设计这一专业的基础。
设计素描作为一门绘画艺术基础课，以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面为重点，研究造型的基本规律，画面以视觉艺术效果为主要目的。基础素描与设计素描同是艺术基础教学的重要组成部分。基础素描作为一种素描形式，它的雏形和胚胎早在文艺复兴时期就已大体形成，于上个世纪初被引入我国，发展至今基本遵循的规律，可说已相对确立。设计素描则相对年轻，虽说于1919年德国包豪斯学校开创了设计素描教学。但是引入我国也是到了上个世纪80年代，90年代才真正开始深入设计教学体系之中。设计素描注重结构的理解。培养学生对转折点的把握记忆与用线的表现。在学生个有一定认知水平和表现能力的基础上深入培养对物理事物的认识理解。通过各种观察研究。加上大量的变化练习。从而创造出新的事物。并给事物一美感。设计素描的表现力很强。提高表现力的方法就是多观察自然,多理解事物，多做速写练习。提到表现力就不得不说构图重要。经常构图练习的习惯也需要培养。创意想象力也是非常重要的。在生活中多补充各方面的知识。懂得用各种工具。局限住的设计师是创造不出好的作品来的。
从学习画画开始到现在已经有了三个年头，但是在设计素描上感觉自己还是像个初学者，好多问题都还没有解决。
绘画素描是通过“再现”对象的具象描绘来反映意识形态的创作；而设计素描是“再造”，是通过计划和想象而进行的审美创造。绘画素描强调画面的整体性，要求大脑对客观对象进行判断、分析以达到对象与表现结果的一致性。设计素描则强调将收集、贮存的“局部”信息进行综合处理后组合成新的整体的造型活动。绘画素描着重于对所绘内容的表现效果以传达对现实的感受，过多地投入了作者的情感因素和展示情怀；设计素描是以绘画素描为基础利用其绘画规律并借助于其表现手段来更好地表达和表现设计意图，着重于对物形及设计思想的结合来使“观众”产生新的感受。设计素描的画面内容不是对生活的“模仿”而是依据作者对生活的不同感受和头脑中不同的理念综合形成画面的形象处理。依据画面自身构成因素与作者的构成理念相结合而进行的一种艺术处理。设计素描要学习的内容很多，所有的学习内容与研究都是为将来的设计提供基本的方式方法及制作手段的拓展来进行的。让学生在进行创新创作时不墨守陈规自由创作出新颖独特、美观的作品来。在教学实践中我们发现，传统素描基础较为扎实地学生在进行设计创意训练时，能够较好地、生动地、艺术地表现设计意图；而素描基础不是太扎实地学生就不能很有效地将自己的创意有效地表达出来，这就说明传统绘画素描的观察、分析客观物象的思维方法，手与脑的协调性上，对画面的控制能力和审美意识还是起着一定的作用。这就说明设计素描是在传统素描的基础上发展起来的，在观察方式、表现形式等方面，既对传统素描予以继承，同时又有别于传统素描。设计素描侧重于全方位的观察，包括平面形观察、立体观察、横断面（剖面）观察以及运动观察，并且强调从结构到材质，借助理性思维能力创造新造型的技能表达。传统素描提倡“看”，设计素描强调“用”。目的的不同造成了思维和表达方式上的差异。
德加说：“素描画的不是形体，而是对形体的观察”。这里的“观察”就传统艺术来讲是一种“分辨差异”。但对于设计艺术范畴来讲是“发现、分解和提炼”。例如观察一辆自行车，就要将车把、车架、轮盘、车座、脚蹬等进行分解然后研究其组装的结合方式。再就是将其不同部位概括提炼成不同的形状，以形体的认知来感觉我们看到的一切，使学生通过发现形式形态，分解组合结构并提炼概括以获得敏锐的捕捉能力和感知能力。
“看”是一种行为，而观察是一种思考，设计素描要求的观察是深入地剖析，剖析的过程就是思考的过程，在思考中将隐蔽的、含蓄的、若隐若现的形体结构明白无误地显现出来。不能浮光掠影式的被动“抄摹”。并且将这种观察思考方式逐步演化成为一种不自觉的潜意识。观察有对生活的观察和对画面的观察，生活是形象语言的源泉，画面是形象具体反映的场所，形象的创造必须有生活的积累，这就要求学生不仅要在生活中注意观察和专业有关的事物，同时也要在画面上进行努力的学习和掌握表现的方法。另外，有很多时候由于没有真正理解观察的含义和正确的观察方法，长期处于懵懂状态即使作画也是看一眼画十笔的“编造”。
正确地观察方式是进行艺术活动首要解决的任务，也直接决定了艺术水平高低、强弱、进步的程度。能够迅速进入绘画的状态和明了的进行表达与思考。不正确的观察方式或常态的观察方式会导致低级、平庸的现象不利于进步与提高，而且相对片面地违背了认识事物、表现事物的客观规律，削弱了对视觉对象直观与敏感的发现、想象、创造能力。
我们学的是工业设计，现在我们在设计中普遍存在两大问题，一是作品形式的空间感差，二是作品缺乏想象力。两个问题都影响到作品的深度和质量，两者的病根都源自素描基础的训练和认识不足。
空间感是素描造型的第一位也是最后一位问题；“形”是造型的第一位，“整体变形”
——透视是造型的终结。客观形状通过视觉变形产生“透视”，规则的透视产生整体。整体的透视变化是完成造型训练的标志，否则就是门外汉。设计者如果解决不了这个问题，其作品必然是平板的，不可能具有深度感和运动感。我们目前的状况正是这样，专业学生或者说专业教师对素描和所谓“平面设计”有误解，他们只热忠于从事相对简单的平面变形，很少能创作出具有空间难度的设计作品，原因主要在于他们没有真正解决素描的透视问题。
作品缺乏空间意识的现象很普遍，看看我们身边的楼房、服装、商标标志，同国外同类作品的差别是明显的，或许可以把这些差距归结到文化意识和工业化程度上面，但有一个事实是不容争辩的，那就是没有空间感的素描，怎会创作出具有空间感的设计？也许有人会说：国外不是已经不搞写实了吗？这种把素描理解成简单的基础和把基础与应用对立起来的观点正是造成设计简单化、平面化的问题所在。
长期以来我们在艺术创作上提倡民族化、中国化，简单的把民族化理解成平面化并与外国的空间化相对立，形成了一股顽固的意识。前一段时间，美术界针对造型上的问题，提出我国美术缺乏一个“理性阶段”的观点，经过一段时间的实践和讨论，美术教学和创作很好的解决了这个问题，使我们的艺术作品在国际上得到了广泛认可。但目前的设计教学和创作却还在民族化的借口下，重复着夜郎的故事。艺术的产生和发展有其自身的规则，任何人也不可能在没有满足规则的前提下搞出符合规则的设计作品。其实我们的书法和大写意国画是非常具有空间感的艺术作品，这些本应成为提高我们设计水平和能力的宝贵财富都被一笔划到“平面”的民族化里去了。也许我们的设计界也存在一个“理性阶段”问题。
在设计素描中，我们要懂得变以前画画的以“像”为标准为以“不像”为标准，画面整体要完整，主体物要有一定的抽象性，并且可以让观众明确地感受到作者想要表达的主体与立意。在某一个物体的表达上，我们必须要从六面体的角度去观察，去想象，世界上的任何物体都可以想象成一个六面体，从而表现出它的立体感，表现出它正确的几何透视关系。
这些，都是在半学期的设计素描课中获得的受益匪浅的知识。在叶老师的指导下，我对素描与设计的认识长进了很多，希望在以后的学习中可以继续和叶老师学习，不断取得进步。
素描学习心得
在9月12日，我踏进了湖州学院的校门，开始了我的大学生活。而我也迎来了我的新课程——设计素描。
高中时期我们为了应付应试考试学的一直都是传统素描，并未对设计素描有过系统地学习。设计素描，顾名思义是艺术设计类相关专业学习的基础，该课程主要讲授设计素描基础理论以及构图、比例、透视、形体、结构、节奏韵律等素描造型的基本方法。此课程与环境设计、视觉传达设计等设计类专业相关课程相联系，基础素描表现与设计思路启发相联系，既可使我们了解客观物体的变化规律，掌握对比、和谐等常识，又可培养我们的设计思维，为进一步的专业学习打下基础。
在钟安老师的授课中我明白了学会设计素描应平时做好画面积累，首先在构图上要注意画面视角以及光的来源，打破常规的观察与思维模式，可以做一些构图视角上的练习。我们的画面，从整体的构成到构思画面视角，一定是逐一分析，进而学会如何在考试当中灵活运用。同时我们还需要大量的优秀范例作品来进行学习，平时生活要养成细致观察生活场景的习惯。想要得到好的画面必须是自己一步一步汲取经验教训得来的，而不是一味的盲目学习。
在上周的课程中我们进行过一次石膏写生，通过这次写生我明白了我们在日常的学习过程中，应该要注意循序渐进，不能过于急躁，关于画面刻画能力的提升，我们也需要注意由简到繁，循序渐进的在整个绘画学习的过程中不断提高自己对于素描绘画的理解能力，从而将画面表现的更加丰富出彩。而设计素描与素描绘画不同，设计素描是以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面作为重点，给人们以视觉上的冲击。
著名的艺术家德加曾经说过：“素描画的不是形体，而是对形体的观察。”就好比我们在写生纸张、布时我们不能仅仅只是用我们眼睛去观察其表面的东西，更应该思考其内在。比如这张纸的质感是怎样的，是光滑或是粗糙，周边有无褶皱等等。而在观察布是我们应注意这块布是柔软抑或是硬朗，两者中的感觉是非常不一样的，很容易被我们所忽略，因此我们应对其仔细观察，才能充分表达其本身的东西。
“设计素描”这一堂课给了我很大的启发，同时为我的画面也提供了很多的帮助，让我更明白在写生物体时应更注重其质感。不论是玻璃、金属，一张纸或是一块布都有自己的特征，我们应抓住其特征进行刻画、表达，具备了这些质感表现特点，我们的画面才会有足够的张力和表现力。
设计素描可以说是基础素描的进阶，想要自己的画面上升到另一高度那么此课程一定是必不可少的。感谢钟安老师让我认识到了设计素描，我也不会在此课堂上松懈下来，在找回曾经作画感觉时开发新的方法，让自己的画面更上一层楼，将自己在课程中学到的至少更好地表达到自己的作品中。
龚俊栋。
2021年10月5日星期二。
素描课心得体会
通过这一个学期的专业学习，我积累了一些个人学画过程中的心得与体会，在这里进行一下小结，主要是浅谈一下素描与色彩的学习心得。
我是在高xxx的暑假真正开始接触绘画，最先接触的是素描，但是长的时间内总是依照明暗画，为了应付考试不论是写生还是临摹都会"抄"得很小心，根本就放不开自己的手，一直觉得画好就要画得像，我在很长一段时间内都是这么认为的，直到联考那天，也是都是这样。翻出以前的练习作业，感觉对于画面的层次，都抓得不准，虽然有局部的刻画，但是画面的整体是散的。还有对于物体的结构抓得不准确，甚至根本不值得一提。
进入大学以后对于绘画有了新的见解，因为以前都是为了应试而去画画，而现在却可以大胆地去发挥自己，可以把自己的手放得更开一点，但是放开的同时也要有严谨的结构，特别对于我们学产品造型专业的人更加重要。一开始我们学的是结构素描，我觉得美术的学习是一个潜移默化的漫长过程，在学习的过程中，一开始根本称不上素描结构，线条也很不准确，所以第一张产品结构素描十分失败，记得画的是一个座机。可第一次的失败带来的是经验，第二次老师让我们默写，虽然我还是把座机拿到手上观察它的各个角度，最终完成了我的作业，然而结果比第一次好了很多。结构准确了，线条也干净了许多。对于结构素描的学习，我重新认识了画面的结构、对比、空间等，就算是简简单单的几根线，也可以表现出一件物品的体积以及画面的层次感和整体感，最重要的是认识到了，素描是要动脑筋的，需要很多的思考，并不是有样画样的，那就是"抄"了。这些是本学期学习素描的最大收获。
色彩对于我来说接触的时间比素描要短得很多了，也是为了应付考试而学习的。以前一直用大块面来画，所以色彩未免显得很单调，画面很生硬。进入大学以后，发现以前的画法完全就不行了，特别是看了老师办公室里的作品，发觉自己的色彩很是单调，而且很放不开，因为太注重形体了。老师教导我们要用色彩来表现整体感觉，所以不要太注重形体，最重要的是要大胆地用色。一开始是很放不开的，在用色方面更是如此。在临摹了一些大师作品之后有了一些改观，从大笔直接铺色块转变到了用小笔触来丰富画面的颜色，这样画面便显得生动了许多，少了以前的呆板多了现在的活泼。
学习色彩的过程也在不断培养自己的色彩感觉，也不断培养着对于色彩的思考能力，边画边想，就能够进步的更快，使画面更加丰富。对于课后的色彩速写我十分感兴趣，这也是以往任何一个老师都没有教过的。这种课后的训练能够更好地培养用色的胆量和色彩感觉。
以上就是这个学期对于素描和色彩学习的心得，通过新的学习，我对绘画有了更加深刻的认识，它是自己意识的体现，而并不仅仅是一味的抄写，我们已经脱离了为了考试而画画的时代，我们需要更加创新，更加大胆地去绘画，使自己的画面以及生活更加丰富多彩。
素描
素描是绘画的基础，也被誉为绘画的“ABC”。在绘画的研习过程中，我深深体会到了素描的重要性和独特魅力。通过多次的实践和学习，我不仅提高了自己的绘画水平，更深入了解了素描所能表达的丰富内涵。在绘画过程中，我明白了观察力的重要性，懂得了透视的原理，也体会到了线条的生动表现力。总的来说，素描对我来说是学习艺术的必修课，让我更加了解绘画的精髓。
首先，素描让我认识到观察的重要性。在绘画的过程中，准确地观察对象是基础。通过素描的练习，我培养了对物体形状和结构的敏锐观察力。当我开始进行素描时，我会仔细观察物体的轮廓和细节，同时注意光影的变化和质感的表现。我学会了如何通过观察物体的形状和结构来捕捉物体的特点，并将其准确地呈现在纸上。观察的过程不仅让我更加细致入微地了解了物体的构造，更让我在绘画的过程中增加了对现实世界的敏感度。
其次，我在素描中体会到了透视的原理。透视是素描的重要组成部分，通过透视的原理可以使画面看起来更加真实和立体。在绘画过程中，我学到了什么是一点透视，二点透视和三点透视。我知道了平行线在远处会相交，远离观察者的物体会显得较小，远离视线的物体会产生压缩。我利用透视的原理，能够更准确地判断物体的形状和大小，并将其以更立体的效果呈现在纸上。透视让我的画面更加生动有趣，也让我对景深的感知有了更深的理解。
此外，线条在素描中具有重要的表现力。线条是构成素描的基本元素，通过线的运用可以表达出物体的形状、质感和纹理。我发现线条的种类和用法有很多，可以通过不同的线条来表达出不同的效果。例如，通过交叉的直线可以表现出阴影的效果，通过有规律的线可以展示出纹理的质感，通过虚线可以表示出物体的透明感。在素描中，我更加注重线条的运用，通过不同的线条来营造出不同的氛围和效果。线条的运用不仅增加了我的创作灵活性，也丰富了我的绘画作品。
在研习素描的过程中，我最深刻地感受到了绘画的艰辛和挑战。素描需要长时间的观察和仔细的描绘，需要我不断地努力和坚持。在一开始的时候，我经常会懊恼于自己的不足和错误。然而，我在不断的练习中逐渐取得了进步，我发现绘画不再是枯燥乏味的，而是一种享受和放松，我愈发热爱绘画，并为自己带来了一片宁静和纯净的心境。素描不仅仅是一种绘画技巧，更是一种修炼和追求完美的过程。
综上所述，通过学习素描，我全面提高了自己的绘画水平。素描教会了我观察的重要性，让我学会了透视的原理，也体会到了线条的生动表现力。素描的学习过程并不简单，但我深知只有通过不断的练习才能获得进步。我相信素描是每位绘画爱好者都应掌握的基本功，同时，素描也让我在绘画的世界中找到了乐趣和寄托，带给我无穷的心得和体会。
素描的心得
素描心得大一下学期的四周素描课结束了，短短的四周中的素描绘画让我再次学到了一些新知识。以前听过老师说的一句话，素描就是一切！当时觉得这话有些绝对，也觉得是老师想更好让我们巩固素描基础而说的一句话鼓励我们，但随着我画画的时间逐渐增长慢慢发现老师的话言之确凿，也懂得了素描的重要性，渐渐理解并认知了“素描就是一切”这句话。
从开始学画画的我们知道，素描水粉等是先从素描学起的，最先画简单的几何物体，逐渐画的复杂，那时不论多么简单的几何体，我们都要抓住或找准物体的透视，老师强调的也是透视的变化与准度，那时的我并不是很喜欢在几根线上不停改改擦擦，无聊不解甚至不耐烦，那时的我喜欢画室和书上那些画的很逼真的素描，迫切希望能早一天画到那样的画，但一步登天是不可能的，就像工程师渴望自己设计的大厦矗立，但要打造牢固的地基，这样大厦华丽与地基的朴实才能相得益彰。结构，透视，三大面，五大调，基础的知识让我们低下梦想的头，暗暗努力练习着，不记得自己从小到现在糟蹋多少张白纸了，也忘记了自己那些数不清的铅笔，现在只依稀记得那句爸爸的玩笑话，一张纸五毛钱，但你画上画了就不值钱了，当时自己也愤愤的乐着，虽然心里不爽，但也无可奈何，因为知道基础的练习不是一朝一夕就能改变的，也相信基础对我们的重要性与它的平凡可贵。
现在的我对基础二字的理解不单单是字面上的'解释了，而是通过画画需要的基础训练，明白了自己学习和做人，也要像画画一样从基础做起，把基础做好，哪怕改的遍数再多，错的地方再多，也要把基础打的扎实与牢固。虽然基础的东西有时觉得轻松简单，甚至不屑一顾但自己通过这些日子画画成长经验积累中真正发现了那些大师画的创作和名作画法很简练，表达言简意赅，意味深长。觉得这些作品不是因为大师的名气而出名，也不是他人的炒作而著名，是因为他们的画中体现着他们过人的基础与他们自己的真正对艺术的思想。看了大师与其他的优秀的作品，自己从中学到了画画必须步步扎实才能进步，才能表现的更好。
这四周素描课，老师继续在我们的结构基础上下功夫，并指导我们在素描结构基础上继续加强，我也通过这几周的每次作画中感觉到自己对素描对象物体的理解进一步加深，对形体结构的把握也一步一步提高。这段时间的素描练习让我对“素描就是一切”这句话体味越来越深，明白应该不停地在自己自认为简单但却易疏忽的基础练习中改进自己画画的习惯和自己作画的理解。
素描教学心得
素描是造型艺术表现形式之一，凡以简单的色彩、简单的工具对客观形物做朴素描绘的画种样式皆为素描。同时以锻炼观察和表达物象的形体、结构、动态及明暗关系为目的的素描，又是一切造型艺术的基本功。素描可以是客观写实的，也可以采用象征夸张甚至抽象的形式。
素描在大学四年的艺术教学中起着不容忽视的作用，它既是对前两年造型基础的总结，又为以后的专业设计起着一个铺垫作用。在现代美术教学中，素描作为造型艺术的基础，越来越受到各大美术院校的重视。要让一个学生在较短的时间内学好素描，一是教师自身应具备良好的专业水平，二是应有科学的教学方法，使技法和理论有机地融合在一起。只有教得科学，学得科学，才会有好的结果。教学方法不仅直接影响素描教学的效果，也将影响学生今后的全部艺术实践。
素描大师德加曾经说过：“素描画的不是形体，而是对形体的观察。”意思就是说素描不只是表现形体，更重要的是表现对形体的看法与理解，这给了广大学生以重要启示：不单单注意如何去画，而且必须先解决观察方法的问题。
写实素描是我国造型基础练习的主体，因此尊重具体对象，使主观与客观统一，是素描教学的基本原则。作品应以客观物象为依据，在教师的指导下，让学生根据对物象的认识和感受加以理解，艺术地表现对物象的真实感受。
抽象形式的训练是基础训练中必不可少的一面，它有其自身的规律。抽象与具象的训练相辅相成，写实练习的目的不只在于“应物象形”，而要透过真实外观的再现，掌握规律，发现抽象结构如何合乎形式美的规律。从这点来说，写实的造型训练也是引导学生自觉地研究抽象形式规律的途径。
素描学习是一项艰苦而有意义的工作。素描教学训练要以培养学生对物象的观察能力、思考能力、认识能力、表现能力为目的，即要达到基础训练所必须具备的各项能力，掌握好基础知识和技能。同时，指导学生以客观物象为依据，表现物象的真实，以写实的手法表现对物象的真实感受。在教学过程中，教师的指导作用是主要的，但学生的主观感受在素描作品的表现力方面也具有非常重要的作用。主观感受来源于客观物象，关键是教师要正确引导学生学会正确地观察和处理画面。
造型是素描教学中至关重要的问题，造型似是而非在初学者中是最普遍的，因此要培养学生在学习上严格的作风和求实的态度。在素描训练中，应当要求学生不要迁就造型的错误，那种将错就错的态度是不利于学生发展的。在素描训练中常犯抓形不准的毛病，就不能获得物象结构的知识，就会造成不善于敏锐准确地表达物象特征的缺陷，这对学生是非常有害的。
整体是素描教学的基本原则。所谓整体，就是要注意艺术直觉与基本技法的统一。它既体现在作画过程的始与终，又体现在素描教学的全过程，是否整体直接影响作品的质量高低。对每一课题的训练，应把“整体”摆在研究造型法则的首位。把握整体是揭示对象物质的重要手段，也是克服认识偏颇的关键。在素描教学的程序上也要体现服从整体的原则。但这并不是说只强调整体而忽视局部细节的深入刻画。整体和局部是对立统一的关系，并不存在纯粹的“整体”，整体的丰富性有赖于局部的深入刻画。
“整体-局部-整体”是素描训练的基本程序。即从整体出发，先画整体后画局部，最后又回到整体。也就是说要注意先画整体后画局部，首先把对象当作一个整体来画，而不是一个物体一个物体地画，更不是一个部分一个部分地画。当画到局部时不仅要注意局部关系，而且也要注意到整体的效果，画局部实质也是画整体。
所以，学生在习作的每个阶段都要考虑到整体关系，“整体-局部-整体”多次反复，一次比一次更整体，最后塑造出一个高度概括、完整的艺术形象。
笔者认为在素描教学中，写生、临摹、默写能力的培养很重要：
第一，写生能力。写生通常指对着实物作画的慢写和速写。写生强调观察、体验、分析、研究自然对象，认识并掌握它们的造型规律。如何将眼中所见的现实事物转换成美术的本体样式，转换成绘画的造型语言，或者转化为设计的视觉语言，写生是素描基础训练的主要方式。
第二，临摹能力。临摹是照着别人的作品画。临摹对学生有两点益处：一是向前人的作品学习，以取得写生方法的借鉴；二是练习造型，熟悉造型规律，提高造型能力。要注意针对性，不同学生有不同的需要，每个学习阶段都有其不同的特点。临摹时应注意作品的整体效果，领会原作的真情实意及绘制过程，抓住重点。临摹主要是让学生加深对传统文化中造型观念的理解、认识与学习，提高学生鉴赏能力与艺术表现。
第三，默写能力。默写则是凭记忆作画。通常是对形象有较深入的熟悉和理解，对物体特征、结构及规律有十足把握，再凭记忆将形象画出来。经常默写有助于中、长期作业的整体、深刻的认识，是锻炼理解力、记忆力和概括力的好方法。默写能力是素描教学综合能力的检验，与中国绘画传统要求相符，也与西方绘画传统要求相符，是自由、自如的创作阶段。
素描是认识对象的一种绘画方式，是美术专业与设计专业准备阶段的基础性训练。这种训练既包括对所学专业观念的认识，又是动手能力基本技能的训练。素描教学应随时代的发展而发展，素描教学的体系、方法以及风格流派的发展变化，将给素描教学提出新的问题。现有的认识和成果，仅仅反映今天的水平，笔者相信只要经过不断的实践与探索，素描教学必将开拓出新的天地。
素描教学心得
：素描教学是美术学习的基础部分，对美术教学的发展能产生重要影响，相应的，素描教学在美术教学中也起到重要作用。高中美术教师要考虑学生的特点及美术学习情况，循序渐进地展开。从基础入手，以宏观的角度带入教学，增强对学生的个性化指导，给予学生正确的鼓励暗示等，是提高素描教学的重要策略。
高中美术教学中素描教学是最基础也是最易被忽视的部分。素描并不是单纯地模仿，而是一种能力、一种心情。只有做好基础练习，才能为日后的学习奠定基础。在当前高中美术教学中，素描练习是基础性练习，需要一定的时间才能达到，本文针对当前高中美术素描教学，结合笔者自身的教学经验谈教学心得，以期为日后教学做出启示。
想要学生认真地学习素描知识，就要让学生对素描产生认识。高中阶段学生已经开始形成自己独特的世界认知，并不是亦步亦趋地跟着教师的要求，而是更多地加入了自己的思考，而艺术创作也是需要素描意识的，在这种情况下，教师就要先让学生明白什么是素描，然后才能引导学生去学习素描。在学习过程中，教师要教学生素描的基本知识，带领学生共同欣赏素描作品，掌握其中的条理、纹路，以及操作的笔法手段等，这些都是基础。让学生在宏观上认识素描，并且清楚素描作品本身的意义所在，以及素描的学习对于整个美术课程学习的意义，进而实现素描能力的培养。
在传统素描教学中，教师往往会陷入到一个教学的误区———让学生描摹作品，也就是说，在学习过程中，教师通常更注重让学生自己进行作品的描摹，而学生对事物或者是画作的观察也仅仅局限于某一细节的像与不像，而忽略了整体的协调性，例如“在某种情况下，这一物体为什么会呈现出这样的状态？”对于这类问题的思考，就是需要学生进行关注，但并未引起学生的注意。教师要让学生知道，在一幅素描作品中，整体、主次、虚实都是需要考虑的，而非单纯的临摹。学生能临摹出来的是形态，却不能临摹出神态以及当时的状态。宏观角度的教学，要求学生能够观察到更多的内容，并且去主动思考，为什么是这样的，而不拘泥于一个形态的模仿。在宏观教学过程中，教师可以从以下几个方面入手展开引导，一是引导学生观察“大关系”，也就是在画面中，不同物体之间存在着怎样的联系，在视野范围内，为什么要这样摆放才能舒服，那样摆放就不舒服。
所谓把握临摹与写生的度，就是指合理分配两者的时间，不能顾此失彼。尽管急于写生会让学生不得要领，陷入一种盲目创作的过程，最终会暴露出更多的问题，但当前高中美术素描教学更多的是限于临摹。经常出现的情况是学生能够很好地临摹，却不能很好地写生，在教学过程中，教师更多地要求学生进行临摹练习，而忽视了写生。事实上，两者之间有很大的区别，临摹时学生只需将作品考虑在内，而写生时要加入更多思考的内容，包括角度、效果、关系、摆放、方位等，这些都是学生需要学习的。素描本身就是美术学习的基础，如果素描基础不能建立，学生日后的美术学习也会举步维艰，因此，教师要准确把握临摹与写生的关系，为学生安排合理的训练。
美术作为艺术门类的一部分，对于主观创作的要求还是很高的，这一点在基础的素描教学中也是有所体现的，因此，教师在教学过程中要照顾学生的思想，与学生进行交流，激发学生主动创作的热情。了解学生的观点，然后从学生角度引导学生进行素描练习，是每位教师的责任所在。在这个过程中，教师要了解学生，与学生形成交流互动，而不是传统课堂中教师讲解、学生听的局面，尽可能多地在课堂上与学生进行交流，听学生对事物的看法，寻找学生感兴趣的话题等，这些都是进行交流的重要方式，并且鼓励学生说出自己的观点。在当前教学过程中，教师要给予学生足够的鼓励，尽管学生在初期创作中会出现一些幼稚的处理方式，但在教学中教师要发现学生的发展与进步，对学生尽可能地以鼓励为主，以激发学生的学习兴趣及参与意识，更好地为日后的学习提供帮助。美术素描是需要时间慢慢练习的，学生的成长也必然需要一个过程，只有给予学生这个过程，并且加以引导与鼓励，才能促使学生的成长。作为美术教师，不能急于求成，而是要循序渐进地对学生进行指导，进而达到教学的目的，只有明确了教学思路，才能在实践中有计划地展开教学。