乐理知识课程（专业15篇）

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基本简谱乐理知识

许多不会识五线谱或简谱的人说：“我不懂乐理”。其实，这句话应该直接说;“我不识谱”。因为不识谱确实属于不懂乐理，但仅能识谱也不一定懂乐理。

系统学习过乐理的人都知道;基本乐理分三大部分，一是记谱法、二是音程与和弦、三是调式与调性。很明显，识谱问题仅仅是记谱法的一小部分。翻开有关记谱法的几个单元，音值组合法、自然/变化半音、全音、等音、基本音级/变化音级等等，内容不仅局限于(音符高低、时值长短、附点休止等)记谱、读谱方面的.东西。识谱问题;仅仅局限于认谱子，并不是研究乐理，所以说;“并不是什么了不起的难事。

乐理基础知识简谱

节奏的乐理知识

(1)单手握小棍，轻敲桌面，分别用中速、快速、慢速三种速度练习，打出非常均匀、准确、无轻重音的点子。

(2、同样的方法，加上轻重音，即2/4的强、弱，3/4的强、弱、弱，4/4的强、弱、次强、弱，以及其他种节拍强弱关系。

(3)双手握棍，一只手一拍打一下，另一只手同时每拍均匀打两下，再练习每拍均匀打四下，均匀再打三下。开始不管节拍，只求均匀，然后再加上节拍。

(4)两手交换。

(5)速度也可适当改变，但每拍四下的速度不宜太快。这些练习并不复杂，但如能熟练掌握，将能有效地为初学者打下良好的拍感和节奏感基础。

(6)学生能力强的，还可进一步练习2对3的拍子，即：一只手每拍打出平均的两下，另一只手同时打出平均的三下，再两只手交换。这个练习，只有每拍的头一个点子是打在一起的，后面双手的点都不对齐，即不打在点子上。如果这“关”能过，就不会再感到拍子上的困难了。

音乐乐理基础知识

乐理知识之音程

在乐音体系中，两个音之间的高低关系，叫做音程.音程中的两个音，高的音叫"上方音"(冠音)，低的音叫"下方音"(根音)。

1、极完全协和音程：纯一度、纯八度。

2、完全协和音程：纯四度、纯五度。

3、不完全协和协和音程：小三度、大三度、小六度、大六度。

以上这三种音程的音响效果各有不同：

极完全协和的音程，听起来是一个音，或者是几乎是一个音的效果。(纯八度有一点空洞的感觉)。

完全协和音程，听起来是互相包容的，很舒服的感觉.

(不完全协和音程，听起来有一点跳的感觉，虽然如此却还可以容忍，所以也算在协和音程之内)。

4、不协和音程听起来就十分刺耳了，这种音程包括大二度、小二度、大七度、小七度、以及增减音程。

不协和音程使人的听觉受到刺激。但是在特定的情绪和条件时经常使用到这种不协和音程的，我们在音乐作品会常常听到它们。

单音程比较简单些，它是指在一个八度之内的音程，叫做单音程。超过一个八度之外的音程叫复音程。

单音程的称呼比较容易一些，是几度就可以直接称呼。比如大三度、纯八度、增二度、小七度等等。

复音程相对来讲就比较复杂一些。简单的办法可以用“加七”或“减七”的办法来算。

用“加七”的办法算是这样的：把现有的度数加上七度，然后一共是几度就直接称呼它的度数。(请看谱例1里的1、3、5、6)。

用“减七”的办法算是这样的：减去八度但是要称为“隔八度的`多少度”。下面举例：

谱例：

音程的转位。

音程的转位：就是把音程上下两个音的位置颠倒过来(根音和冠音互相倒置)上方音成为下方音，下方音成为上方音。这就是音程的换位。

音程转位可以在一个八度之内，也可以超过一个八度。

音程的转位可以单独移动根音和冠音，也可以将根音和冠音同时移位。

谱例：

(一)音程通过转位以后，除了改变它们之间的度数以外，还改变了它们之间的关系和种类。

1、首先是大音程经过转位以后，都变成了小音程，而小音程却成为了大音程。

2、增音程和倍增音程经过转位都变成了减音程和倍减音程。

(二)音程转位以后改变了度数，计算的方法如下：

原位音程的度数和转位音程的度数的总和相加起来是九度。要计算转位音程的度数只要在九度里将原位音程的度数减掉，就是转位音程的度数。

还有一个办法是反过来。将原位的度数与转位的度数相加等于九，也是可以的。

依此类推。

(三)音程转位以后不改变它们的性质，也就是说：协和音程经过转位仍然是协和音程，不协和音程还是不协和音程，不完全协和音程同样也是依旧。

(四)音程经过转位以后，单音程变成了复音程，而复音程则变成了单音程。

倚音的乐理知识

1.倚音所占的时间，是从本音中抽出来的，不能增加原有拍子的时间。

2.吹奏单倚音时，小音符用吐奏，本音不用吐奏。如果单倚音在强拍上人、音符就要吹得强一些。

3.吹奏复倚音时，第一个小音符用吐奏，其他音(包括本音)都不用吐奏，但要吹得连贯些，因为几个小音符只占本音对值的一小部分，所以吹得越快越好。如果复倚音在强拍上，则要把本音吹得强一些。

这是学生中犯的最厉害错误了，很多人也没有注意过这个问题。倚音在演奏时应该把强拍放在后面的音符上，作为装饰音的倚音只是起个加花装饰的作用，所以一带而过就可以了，但是很多人在实际演奏时，往往是把重心放在了起装饰作用的倚音上了，听到的效果是倚音强，给人感觉很难听的。所以，吹奏时应该注意，不要让起陪衬作用的音符，盖住了本来在强拍上的音符，主次颠倒了。

倚音在实际演奏时是不占用本来的节拍的，一带而过，但有些学生尤其是刚刚学吹的人，往往一个一拍的音符，倚音就占了半拍，这在刚刚开始练习，还没有练习熟练的人，掌握不了时可以，但慢慢练习熟练了以后就要注意，不能占用它音的时值，很快的速度一带而过就行了!

还有一种是练习熟练以后出现的，例如《藏族弦子》那首作品，他们往往吹奏时速度不是很快，但是一到倚音的那几句就特别的快，音的时值就没有托够，成了倚音是倚音，不是倚音的也吹成了倚音了。这样就是错误的，本来的半拍的时值就被偷掉了，演奏出来的效果也变了，有的学生吹出来的实际效果就像是十六分音符的感觉，所以，这是初学者要注意的问题，不然就破坏了整个音乐的效果了!

还有在演奏倚音时，既然是作为一种装饰音，就应该要轻，不要让倚音喧宾夺主了!

乐理知识入门

是一种物理现象。物体振动时产生音波，通过空气传到耳膜，经过大脑的反射被感知为声音。人所能听到的声音在每秒振动数为16-2000次左右，而使用到音乐中的音(不含音)，一般只限于每秒振动27-4100次的范围内。音的高低、强弱、长短、音色取决于物体的振动。

指音的感觉特性。发音体的振动是由多种谐音组成的，包括基音和泛音，音色是由泛音的多少及泛音之间的相对强度决定的。人们区分音色的能力是天生的，音乐的颜色分为人声音色和器乐音色。人声音色分高、中、低音，并有男女之分;器乐音色中主要分弦乐器和管乐器，各种打击乐器的音色是不同的。

共鸣指的是一种振动。当一个发音体振动时，引起了其它物体的振动，并发出了声音，产生了共鸣。

物体振动时所发出的频率最低的音是基音，其余的为泛音。基音决定音高。

除了发音体整体振动产生的最低的音是基音，以基音为标准，其余1/2、1/3、1/4等各部分也是同时振动，是泛音。泛音的组合决定了特定的音色，并能使人明确地感到基音的响度。乐器和自然界里所有的音都有泛音。

音高是用一秒钟的振动的次数来表示的。频率多则音高，频率少则音低。目前国际通用的标准音"a"，是每秒振动440次的声音。

音名指西洋乐制中代表固定音高的名称。这些名称没有统一，在各个国家是不同的。被广泛采用的是：cdefgab。

唱名是指音阶上各音的'名称。通常使用1do、2re、3mi、4fa、5sol、6la、7si。大调的主音用1do，小调的主音用6la。

人声或乐器所能达到的最低音和最高音之间的范围就叫音域。音域可分为总的音域和个别音域、人声和乐器音域。

10：调式(mode)。

若干高低不同的乐音，围绕某一有稳定感的中心音，按一定的音程关系组织在一起，成为一个有机的体系，称为调式。

调性指调式类别与主音高度。在乐曲中，主音是旋律、和声的核心，其它音与之发生从属关系最后中止在主音上。这样的乐曲就是有调性的乐曲。

音量又称响度、音强，是指人耳对所听到的声音大小强弱的主观感受，其客观评价尺度是声音的振幅大小。

划分音阶中各音间音程的单位(乐音体系中每一个独立的音)。

乐理基础知识点

基本乐理的基础知识是作曲家创作乐曲，也象文学家写诗歌、小说一样，有一套表情达意的体系，那就是音乐语言。音乐语言包括很多要素：旋律、节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、和声、复调、调式、调性等。一首音乐作品的思想内容和艺术美，要通过多种要素才能表现出来。

【旋律】又称曲调，它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手段，是音乐的灵魂。

【节奏】各音在进行时的长短关系和强弱关系。由于不同高低的音同时也是不同长短和不同强弱的音，因此旋律中必须包括节奏这一要素。

【节拍】强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫拍子，正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。

【速度】快慢的程度。为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情，必须使作品按一定的速度演唱或演奏。

【力度】强弱的程度。音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。

【音区】音的高低范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。

【音色】不同人声、不同乐器及不同组合的音响上的特色。通过音色的对比和变化，可以丰富和加强音乐的表现力。

【和声】两个以上的音按一定规律同时结合。和弦进行的强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和，以及不稳定、不协和和弦对稳定、协和和弦的倾向性，构成了和声的功能体系。和声的功能作用，直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外，和声的音响效果还有明暗的区别和疏密浓淡之分，从而使和声具有渲染色彩的作用。

【复调】两个或几个旋律的同时结合。不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定肘间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。

【调式】从音乐作品的旋律与和声中所用的高低不同的音归纳出来的音列。这些音互相联系并保持着一定的倾向性。而调性则是调式的中心音(主音)的音高。在许多音乐作品中，调式和调性的转换和对比，是体现气氛、色彩、情绪和形象变化的重要手法。

乐理基础知识点

音乐语言的各种要素互相配合，具有千变万化的表现力。旋律尽管是音乐的灵魂，但其它要素起了变化，音乐形象就会有不同程度的改变。在一定条件下，其它要素甚至可起重要作用。

1、什么叫记谱法?一首曲子一般都包含高低、长短、强弱等要素。把这些要素用各种记号、符号记录在纸面上的方法叫记谱法。古今中外使用过和正在使用中的记谱法是有很多的。拿我国来说，古今使用过的记谱法就有多种。据说早在战国时代，卫灵公手下的音乐师叫师涓的，就能用某种记谱方法记谱了。据文字记载，我国隋唐时期就产生了工尺谱、减字谱(古琴用)，宋代又又产生了俗字谱。工尺谱几经沿变，至今仍有民间艺人使用。不过近、现代在我国使用比较普遍的是简谱和五线谱，尤其以使用简谱的人最多。从世界范围来看，使用最普遍的是五线谱。

2、什么是简谱?简谱是用阿拉伯数字1、2、3、4、5、6、7来记录音高的一种记谱法，读过书的中国人几乎都认识它。这种记谱法的是法国的修道士苏埃蒂1665年提出来的。后来，将它加以改进和积极推广的竟然是法国著名的哲学家、文学家卢梭。由于这种记谱法不方便于记录多声部的、复杂的音乐，在欧洲几乎从未普及过。1882年前后，美国人梅森到日本讲学时把它传入日本，19世纪曾有一度在日本学校通用过，不过后来他们也不用了。清朝末年，简谱通过留日学生传入我国。1904年，沈心工先生编写的“学校唱歌法”一书出版，曾风行一时，从此简谱便在我国普及开来。笔者认为，简谱作为一种大众化的记录方法，在我国普及和推广音乐方面曾经而且仍在发挥很大的作用。不过由于它记谱有不少局限，而且现在世界上绝大多数国家又都不用它，我们应当创造条件推广、普及五线谱，以利于提高音乐水平及与世界各国进行音乐文化交流。

3、什么是五线谱?五线谱是世界上使用最广泛的记谱法，在目前的记谱法中，五线谱相比较而言最为严密、准确、科学。它用五条平行横线记录声音的高低，用空心(或实心)椭圆或在它一侧加竖线(有的还在竖线的一端加“尾巴”)的图形作音符，表示音的长短(实例请见本站登载的曲谱)具有立体感，便于记录多声部音乐。它17世纪末正式传入我国，在清朝康熙年间宫廷编撰的“律吕正义续编”中，对它有详细介绍，可见传入我国之久。1930年，音乐家刘天华先生将梅兰芳唱的戏曲用五线谱记录下来，出版了“梅兰芳歌曲谱”，该书是我国第一部记录戏曲音乐的专集。有些人认为五线谱比简谱难学。有这种观念是容易理解的。其实主要原因并非五线谱难，而是改变从小养成的读谱习惯难。你从小接触的乐谱都是简谱，已经习惯于简谱那一套，现在要改当然难了。如果从幼儿园开始就用五线谱，小学、中学音乐教科书也一律如此，平常所见的谱都是五线的，旷日持久，就习惯成自然了。现在有不少孩子三、四岁就开始学钢琴(学钢琴就非用五线谱不可了)，由浅到深，由简到繁，读谱练琴齐头并进，所以不少孩子年纪虽小，视读线谱的能力却比许多成年人强得多。什么道理?熟能生巧嘛!

4、什么是小夜曲?文章有各种体裁，如记叙文、议论文、诗歌、散文等，都是文章的体裁。音乐也有各种体裁，如小夜曲、摇篮曲、奏鸣曲、圆舞曲、小步舞曲、波尔卡、玛祖卡……都是音乐的体裁。小夜曲是音乐体裁的一种，是用于向心爱的人表达情意的歌曲。起源于欧洲中世纪骑士文学，流传于西班牙、意大利等欧洲国家。最初，小夜曲由青年男子夜晚对着情人的窗口歌唱，倾诉爱情，旋律优美、委婉、缠绵，常用吉他或曼陀林伴奏。随着时代的发展，其形式也有所发展。“中外著名歌曲”中登载的舒柏特、托西尼作曲的小夜曲，都在世界上流传甚广。

5、什么叫波尔卡?“波尔卡”这个标题不是起概括和提示音乐内容的作用，而是表明它的'体裁属于一种男女对舞用的舞曲。起源于捷克民间，曾经风行全欧，西洋不少著名作曲家都用过这种体裁写过音乐作品。它一般为二拍子，节奏活泼、欢快。

6、什么叫玛祖卡?也是属于男女对舞用的舞曲。起源于波兰，也曾在欧洲风行一时。它与波尔卡最大的区别是前者为二拍子，而它却是三拍子。一般三拍子的曲子重音是落在小节的第一拍，而玛祖卡却常落在第二或第三拍。比如“浅易琴谱”中所登的汤姆生《玛祖卡》，多数小节的重音就是如此。玛祖卡所表达的情绪一般都活泼热烈，演奏时需掌握这个特点。

7、什么叫小步舞曲?“浅易琴谱”里已登了两首由巴赫作曲的小步舞曲，其实巴赫写这种体裁的作品并不止两首，而且许多古典音乐大师如贝多芬、莫扎特等也都写过以“小步舞曲”命名的作品。小步舞曲起源于欧洲的宫庭，曾在法国宫庭流行一时。它是一种三拍子的舞曲，速度缓慢，从容典雅，颇具贵族的风格。

8、什么叫圆舞曲?圆舞曲又名华尔滋，也是一种三拍子的舞曲。起源于奥地利的一种民间舞蹈。起初流行于维也纳的舞会上，十九世纪风行欧洲。以斯特劳斯的佳作《蓝色多瑙河》最为著名。它有快步和慢步两种。与同样也是三拍子的玛祖卡不同，它的重音一般都落在小节的第一拍上。也与同样是三拍子的小步舞曲不同。圆舞曲的特点是节奏鲜明，旋律流畅，不象小步舞曲那么温文尔雅。不过必须明确，音乐不是数理，不是逻辑，这种区别只是就一般情况而言，并非是绝对的。

清朝末年、民国初年，当时的政治改革家们主张废除科举等旧教育制度，效法欧美，建立新型学校，于是一批新型的学校逐渐建立了起来。当时把这类学校叫做“学堂”，把学校开设的音乐课叫做“乐歌”科。所以“学堂乐歌”，一般就是指出现于清朝末年、民国初年的学校歌曲(类似当今的校园歌曲)。学堂乐歌的倡导、推广者以沈心工、李叔同等启蒙音乐教育家为代表。今天的年青人可能很少人认识它们，但在我国近代音乐史上却占有很重要的地位。早期的的学堂乐歌以旧曲填新词为主，用中国民歌、小调的曲调或欧美歌曲的曲调填进创作的新词。这可以说是它们的特点之一。

10、andanteallegro.....什么意思?这是在钢琴乐谱上常见的外文字。这类外文字叫音乐表情术语，多数用意大利语。网友中使用中遇到不懂的可查看音乐词典。现将琴谱中出现频率较高的术语释义如下：

largo广板46。

lento慢板52。

adagio柔板56。

andante行板66。

andantino小行板69。

moderato中板88。

allegretto小快板108。

allegro快板132。

presto急板184。

11、在西洋音乐史上，叫做“斯特劳斯”的著名音乐家有四个，请注意不要张冠李载。第一个大名顶鼎，他就是大家耳熟能详的《蓝色多瑙河圆舞曲》作者约翰。斯特劳斯，有圆舞曲之王的美名;第二个就是新年音乐会压轴节目《拉德斯基进行曲》的作者，也叫约翰。斯特劳斯，是前者的父亲，为表示区别，人们常在其名字的前面加一个“老”字，或者在其名字后面的括号中加一个“父”字。小约翰的音乐成就来自父亲的启蒙，后来超过老子，但老子却坚决反对儿子搞音乐，还曾为此上过法庭告过儿子呢。第三个叫弗兰兹。斯特劳斯，是十九世纪德国大音乐家瓦格尔的同代人，是当时慕尼黑宫庭乐队的首席圆号手，他在音乐上并没有可以写入史册的成就，却因多次敢于公开对瓦格尔表示鄙视而出了名。第四位是此人的儿子，叫兰兹斯特劳斯，以创作交响诗和歌剧著名。

12、以“多瑙河”命名的最著名圆舞曲有两首：一首是约翰。斯特劳斯的《蓝色多瑙河圆舞曲》，另一首叫《多瑙河之波圆舞曲》，是与斯特劳斯同时代的罗马尼亚音乐家伊凡诺维奇写的，原来是管弦乐作品，因为写得美，又适宜用人声来唱，人们便填词而使它成了声乐作品。这两首作品，堪称圆舞曲的双璧或姐妹花。

13、“哈巴涅拉”与“圆舞曲”“波尔卡”一样，都是西洋舞曲中的体裁。它起源于古巴，其音乐特点为中速，二节子。比如本站“钢琴乐谱”栏目中比才的《哈巴涅拉舞曲》所呈现的节奏型，就是这种舞曲典型的节奏型。

大管的乐理知识

大管为c调乐器，按实音记谱，根据所演奏乐器的音高记写在低音、次中音或高音谱表上。音域为(b)b(1)(#)g(2)。

大管不同音区的音别较大。低音区浑厚、饱满、有力，吹奏时，气息损耗量极大，应避免长时间在此音区停留;中音区温和、甜美，是常用的旋律音区;高音区富于戏剧特色，有管弦乐队的“小丑”之称。

两百多年来，大管从原始状态到现在已有了很大的发展，它不仅可以演奏连音、跳音、滑音、颤音、震音、滑舌、双吐、三吐、循环呼吸等，而且经过多年的学习，可以演奏出四个音的和弦等等。

乐理知识：音的强弱

记录音的强弱拍，必须用小节线来划分，就是一根垂直的线，它将乐曲分为若干小节。乐曲结束时用的一粗一细的两条垂直线，叫终止线。

记录每小节有几个强拍几个弱拍，还必须要用拍号。在简谱中，拍号写在乐曲的开头，比如2/4，3/4，4/4，分数线下面的“4”表示以四分音符为一拍（同理，二就是以二分音符为一拍，8就是以八分音符为一拍），分数线上面的数字表示每小节有几拍。

在各种拍子里强弱是有规律出现的。

单拍子（每小节有一个强拍）。

2/4一二一二一二一二一二。

强弱强弱强弱强弱强弱。

3/4一二三一二三一二三一二三一二三。

强弱弱强弱弱强弱弱强弱弱强弱弱。

4/4一二三四一二三四一二三四一二三四一二三四。

强弱次强弱强弱次强弱强弱次强弱强弱次强弱强弱次强弱。

6/8一二三四五六一二三四五六一二三四五六一二三四五六一二三四五六。

强弱弱强弱弱强弱弱强弱弱强弱弱强弱弱强弱弱强弱弱强弱弱强弱弱。

另外还有些不常用的拍子：3/8，4/8，2/2，9/8……。

拍子还有一拍子，每小节只有一个强拍；散拍子，不用小节线划分，自由演奏，在乐曲开头用“散”或草头符号表示；混合拍子，一首乐曲中有两种或两种以上不同拍号组合起来就是混合拍子。

切分音它改变了原来的强弱规律。比如：53326554把相同的音用延音线连上，就可以唱成一拍，532654，强弱就在中间的音上，所以叫切分音。

配器的乐理知识

第一，字面含义：配器是指给声部分配乐器。这就说明，在分配乐器之前“主要声部”或“结构因素”已经基本确立(注意措辞，是“基本确立”)。

第二，拓展意义：是指以“单维空间”到“三维”或“多维空间”的处理方式。

第三，配器的.创造性，不在于“染色”和“渲”，而在于“染”。前者可以被看成是基于骨架声部的活动(可以看成是“看谱”或“背谱”)，后者则在基于骨架声部和结构因素基础之上的“创造”(可以看成是“离谱”)。也有学者用“独立性装饰”和“非独立性装饰”。来形容配器理论中对于创造性思维“维度”的配器情况。

伴奏的乐理知识

京剧唱腔伴奏以主奏乐器京胡为主，采用满腔满跟的伴奏方式。即伴奏基本上和歌唱曲调一致，其间还可以有多种装饰音或高低八度的翻奏。伴奏的任务还必须演奏过门等纯乐器的部分以联接唱句。通常所指的唱腔音乐是包括主奏乐器为主的乐队伴奏在内。

音乐基础知识之乐理知识教程

如在教五线谱唱名时，为了使教学更形象、更有趣，我请了几位高矮不同的学生分别充当音符do、re、mi、sol、la。告诉他们各自的家住在几线几间上。接着提问：“谁最高?”下面回答：扮演“la”的同学最高。于是，我指出：由于la住的最高，所以唱时音也最高……这样教学方法形象、直观，加之听觉与视觉的统一，学生不但加深了对“音高”的理解，同时也提高了学生对唱名的兴趣。我在演奏音符的同时，要求扮演音符的学生将听到的音高按先后顺序迅速排好，并在线谱上找到各自的“家”。同时我还让学生们将学过的节奏和唱名进行组合，让他们自行创作出许多不同节奏型的乐句。这样就改变了五线谱唱名教学枯燥、乏味的教学方式，变枯燥为生动、乏味为有趣，调动了学生的学习积极性，提高了学习兴趣。

如在教学生认识五线谱的线数和间数时，编了如下的儿歌，让他们边指边读：

张开左手掌，手心向外翻。

五个小手指，就是五条线。

四个手指空，就是四个间。

从下往上数，一二三四五。

好象上楼梯，越上音越高。

这样的教学，学生易懂易记，他们对五线谱产生了浓厚的学习兴趣，收到了事半功倍的效果。

如教学顿音符号，我就用一个乒乓球在桌上抛几下，让他们细心聆听乒乓球落下的声音是：短促、有力、清脆、有弹性的。接着再弹旋律，让学生比较乐句间有什么异同，学生边听边想，通过思考，得出音符中增加顿音符号给人以跳跃、活泼的感受。在教师不断的启发下，学生不仅认识了顿音记号，也懂的了它的用处，深刻体会到通过自己思考，发现并得出结论的快乐感，轻轻松松学会新知识。

如教学延长符号时，我请同学想一想它像什么?学生回答延长符号像眼睛——弯弯眉毛圆圆的眼珠，这样学生就记住了这个延长符号;又如教学顿音符号，学生说它像倒着的等腰三角形：渐强、渐弱符号像数学中的小于、大于号……虽说比喻的有点牵强附会，但通过自己想象得出的就记忆犹新。

配器的乐理知识

配器就是给一段主旋律配上多声部伴奏的总谱的过程。这是一种比较复杂的音乐过程。

配器是作曲法的组成部分之一。指器乐合奏曲中各种乐器的配合。其内容要点为：

1、各类乐器性能;。

2、各类乐器的音色对比与配合效果;。

3、乐曲原音响统一效果。

配器除用于初始写作之外，亦常用于现成乐曲配器，如将钢琴曲、重奏曲等改编为管弦乐曲。

配器中的主要乐器依次是长笛，电子琴(一般两架)，小提琴(至少两把，一把小提琴负责长音，一把小提琴负责部分旋律及复调)小号，长号，吉他，贝司，鼓。